JAIME POU, LA MUERTE DE LA VIRGEN

MUERTE DE LA VIRGEN

IDENTIFICACIÓN Y CLASIFICACIÓN DE LA OBRA:

"Muerte de la Virgen", óleo sobre lienzo realizado por el pintor barroco italiano Miguel Ángel Merissi más conocido como Caravaggio en 1606 para la iglesia romana de Santa María della Scala.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571-Porto Ércole, 18 de julio de 1610) fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco

ANÁLISIS TÉCNICO DE LA OBRA:

Soporte y tipología: es un lienzo de gran tamaño representando la muerte de la Virgen María.

Técnica: Óleo sobre lienzo

Composición, líneas y contornos: La escena muestra a la Virgen tumbada sobre una mesa prepara como lecho provisional para colocar el cuerpo sin vida. Vestida con un llamativo vestido rojo, María tiene la cabeza ladeada hacia la derecha, el pelo alborotado y la mano izquierda posada sobre el vientre, ligeramente abultado, mientras el brazo izquierdo cae inerte. Aunque los apóstoles han intentado cubrir el cuerpo de la madre de Cristo, los pies sobresalen desnudos. Tan sólo un casi imperceptible nimbo corona la cabeza de María, único elemento que nos indica la trascendencia del acontecimiento representado. A su lado, sentada sobre un taburete bajo, María Magdalena llora de manera desconsolada, dejando caer la cabeza sobre sus rodillas. Delante de ella observamos una palangana posiblemente usada para lavar el cadáver. Detrás del lecho mortuorio un grupo compacto de apóstoles velan el cuerpo de María. Vestidos con pesados mantos, en primer término podemos identificar a Pedro, situado a los pies, Pablo, con barba larga que observa meditabundo y Juan, el más joven, vestido de verde, situado junto a la cabeza de la Virgen. El resto de apóstoles asisten al velatorio mostrando distintas actitudes desde la mirada ausente hasta los que entablan conversación.

Colores predominantes: Predominan colores oscuros y cálidos como marrones, ocres, naranjas y verdes oscuros, destacando el rojo intenso del vestido de la Virgen así como de la cortina suspendida en la parte superior que cae a manera de telón teatral.

ANÁLISIS ESTÉTICO-FORMAL:

Tratamiento de las figuras: La postura que adopta el cuerpo de María, el vientre abultado así como la lividez del rostro nos descubren que nos encontramos ante un auténtico cadáver. Caravaggio nos muestra el dolor, la desesperación y la soledad ante la muerte y nada aparece en el cuadro que nos insinúe la Asunción del cuerpo y el alma al cielo.

En la Obra de Caravaggio no hay lugar para la esperanza y nos muestra el destino final de todos, incluido el de María.

Uso del color: Los colores son muy oscuros, con los únicos toques luminosos del rojo de la ropa de la muerta y un gran telón rojo que pende por la parte superior del lienzo, motivo usual en un cuadro fúnebre. Es prácticamente el único elemento de una escenografía pobre. 

Uso de la luz: La escena aparece en penumbra, iluminada de manera lateral por un foco de luz situado en el lado superior izquierdo que ilumina de manera directa a la Virgen así como a los personajes más próximos a ella mientras el resto queda en semipenumbra, creando efectos de claroscuro tan del gusto del pintor más relevante de la técnica tenebrista.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN DE LA OBRA:

Iconografía: Se trata de una obra trascendental dentro de la historia de la pintura. El tema sagrado se ha despojado de todo manierismo e irrealidad. Los personajes se representan según modelos del natural, personas del pueblo, y se iluminan de manera tenebrista. Representa de manera realista el dolor de la pérdida de un ser querido. En este sentido, se acerca al tratamiento que pintores de la Reforma como Rembrandt dieron a los temas religiosos. 

Contexto social y cultural: Hay que tener en cuenta que durante los primeros años del siglo XVII estaban muy presentes las pautas del Concilio de Trento, es decir, el arte estaba totalmente al servicio de la doctrina católica y, por tanto, era examinado al más mínimo detalle. Los fantasmas del Protestantismo, así como de las diversas sectas que pululaban por los núcleos urbanos despertaban constantes recelos en los censores de la curia, que abogaban por unas imágenes depuradas, claras y sin ningún atisbo de herejía. Sin embargo, Caravaggio, insistió en crear obras excesivamente naturalistas, muy del gusto del pueblo, en las que apenas se hallaban signos de divinidad y en las que, a menudo, se podían reconocer los rostros de los santos representados, identificándose fácilmente con personajes populares de la ciudad. 

Posibles antecedentes e influencias posteriores: fuente principal de inspiración de este pasaje es apócrifa, lo que choca frontalmente con el carisma contrarreformista. En este sentido habría que citar el Libro de Juan, Arzobispo de Tesalónica, y la Narración de Pseudo José de Arimatea, aunque el escrito más difundido por Europa fue el Libro de San Juan Evangelista “El Teólogo”, que, de hecho, sirvió de base para muchas de las diferentes manifestaciones artísticas de esta temática. 

Es evidente, que la representación de Caravaggio rehúsa de cualquier atisbo de trascendentalismo y ahonda en el naturalismo desgarrado de un duelo vulgar y cotidiano. Hecho que, por si mismo, hubiera bastado para justificar el rechazo que tuvo por sus coetáneos, a pesar de su incuestionable virtuosismo pictórico. 

BIBLIOGRAFÍA:

• https://www.lacamaradelarte.com/2018/10/muerte-virgen-caravaggio.html
• https://www.artehistoria.com/es/obra/muerte-de-la-virgen-1
• https://es.wikipedia.org/wiki/Muerte_de_la_Virgen_(Caravaggio)
  https://arte.laguia2000.com/pintura/la-muerte-de-la-virgen-caravaggio